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SUMMARY:Auge y Caída del Ruiseñor: la historia de Rosita Serrano
DESCRIPTION:Tras girar por Chile regresa a la Finis comedia dramática musical sobre la cantante Rosita Serrano\n[7 al 17 agosto]\nAuge y Caída del Ruiseñor: la historia de Rosita Serrano\n\n«Un montaje que resulta ágil\, entretenido\, con una apropiada mezcla de humor y drama.» Mario Valle\, El Mercurio\n \n«Silvana Gajardo\, la actriz revelación.» Raimundo Flores\, El Mercurio \n«Actuación de deslumbrante presencia\, con un elenco sólido\, flexible\, ágil\, creativo. Propuesta exigente con comedia musical\, mucho humor y tragedia.» El Mostrador \nTras su estreno en 2022 y después de haberse presentado en el Teatro Finis Terrae en 2023 y a lo largo de Chile en diversos escenarios y festivales\, regresa esta aplaudida obra en el marco del décimo aniversario de la compañía independiente Colectivo Mákina Dos\, de la dupla creativa Amalá Saint-Pierre y Francisco Paco López. \nTras su llegada a Berlín en 1936 siendo aún una veinteañera\, la cantante oriunda de Quilpué apodada «El Ruiseñor» se convirtió rápidamente en la favorita del régimen de Hitler quien la elevó al rango de diva de la canción popular. Mientras unos la vincularon al Tercer Reich\, otros aseguran su heroica rebeldía en la Alemania Nazi a favor de la causa judía. Pero todo pasado nos condena y un manto de misterio tiñe a Rosita Serrano como una figura controvertida hasta el día de hoy. \nEsta es la increíble historia del auge y caída de una de las voces más bellas y menos recordadas que ha tenido Chile.\nUna comedia dramática musical basada en hechos reales y ficcionada sobre su periodo alemán\, que pone en valor a una gran cantante y que reflexiona al mismo tiempo con humor y drama sobre el rol del artista en contextos totalitarios. \nEsta obra del Colectivo Mákina Dos (BRU o el exilio de la memoria) cuenta con la dirección de Patricio Pimienta (director de la comedia Esta obra es un desastre) en una puesta en escena épica y dinámica cargada de humor\, drama y música en vivo\, y protagonizada por la actriz y cantante Silvanna Gajardo junto a Amalá Saint-Pierre\, Francisco Paco López y Orlando Alfaro quienes interpretan a una quincena de personajes con gran virtuosismo. \nObra ganadora de 6 Premios Carmen al Teatro Musical en 2022 (Mejor Guión Original – Mejor Director – Mejor Actriz protagónica – Mejor Arreglo Musical – Mejor Diseño sonoro – Mejor Dirección Vocal) y Premio Actriz Revelación de Todalacultura.
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SUMMARY:La pequeña historia de Chile
DESCRIPTION:Emblemática comedia negra sobre la crisis de la educación vuelve a escena a 30 años de su debut\n[10 julio al 3 agosto]\nLa pequeña historia de Chile\n\n«Marco Antonio de la Parra una vez más pone al servicio del teatro toda su brillantez y genialidad. […] Original y exigente puesta en escena y talentosos actores y actrices\, bajo una certera dirección de Francisco Krebs.»  Alejandra Aguilar\, Cooperativa \nA 30 años de su debut\, esta nueva producción Finis Terrae financiada por la Convocatoria Pública 2024 de Teatros Universitarios del Ministerio de las Culturas\, las Artes y el Patrimonio\, mantiene vigente su reflexión teatral sobre la crisis de la educación\, el olvido y la historia que nos define. \n«Una delirante revisión a la imposibilidad de contar la historia contemporánea del país a través del oficio y los rituales de los maestros de Historia de liceos de provincia». Así describía en 1994 Marco Antonio de la Parra a La pequeña historia de Chile\, adelantándose a los trascendentales movimientos sociales gatillados por la crisis educativa local. \nEn La pequeña historia de Chile cinco profesores habitan una sala de clases vacía poblada sólo por pupitres. No sabemos si los profesores están vivos o muertos y el liceo parece más un naufragio que un instituto. La obra surge como el relato imposible de nuestra historia y el maltrato del oficio de maestro en una circunstancia delirante donde el caos ha reemplazado el orden y los alumnos han desaparecido. \nEste renovado montaje dirigido por Francisco Krebs (recientemente galardonado con el Premio Ópera XXI a la Mejor Producción Latinoamericana por su dirección de «Tosca» del Teatro Municipal de Santiago) permite desde el humor negro enfrentarnos y contrastarnos con problemas que siguen estando presentes en nuestra vida actual.\nProtagonizado por Paola Volpato\, Camila Hirane\, Cristián Carvajal\, Manuela Oyarzún\, Mauricio Flores y la participación especial de la voz de TVN y ADN\, Fernando Solís.
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SUMMARY:Felices Fiestas
DESCRIPTION:Una comedia dramática sobre una noche de Navidad y un secreto familiar\n[Del 5 de junio al 6 de julio]\nFelices Fiestas\n\nEn un caluroso día de verano de 1990\, una familia se reúne después de mucho tiempo para celebrar la Navidad. Mientras dos hermanos radicalmente opuestos intentan ponerse de acuerdo sobre el futuro de su madre\, es ella quien intenta que esta Navidad sea una noche especial.\nLuis\, el hijo mayor\, fanático de Sábados Gigantes\, ha vivido con ella durante años asumiendo su cuidado\, pero ahora enfrenta una crisis personal. Inés\, la hija menor\, quien ha sostenido económicamente el hogar pero ausente en la rutina familiar\, siente la necesidad de empezar una nueva vida. Su esposo\, Óscar\, un intelectual con escasa independencia\, anhela formar una familia.\n\nLo que debería ser una celebración se transforma en escenario de tensiones y viejos conflictos. Lejos de propiciar un reencuentro armonioso\, la reunión reabre y expone heridas\, especialmente cuando la madre y la hija deciden compartir con el hijo un secreto que cambiará el futuro de la familia.\n\nEl elenco está formado por la reconocida actriz Ana Reeves -galardonada en 2024 por el Círculo de Críticos de Arte como mejor actriz teatral (por «Eloísa»)- junto a Rodrigo Soto\, Felipe Zepeda y Alejandra Oviedo.\nTras el éxito de «Como si pasara un tren» en 2023\, Bárbara Ruiz-Tagle vuelve como directora invitada por el Teatro Finis Terrae esta vez como directora y dramaturga en esta nueva coproducción Teatro Finis Terrae.
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SUMMARY:Carrera
DESCRIPTION:Especial aniversario 25 años\nTryo Teatro Banda\n[Del 8 de mayo al 1 de junio] \nCARRERA\nCarrera mezcla teatro y música en vivo para relatar la vida de José Miguel Carrera\, figura clave y controvertida de la independencia de Chile.\n\nCon humor y dinamismo\, dos actores —Sebastián Vila y Francisco Sánchez— relatan las aventuras\, exilios\, batallas y contradicciones de este polémico personaje\, desde su autoproclamación como Director Supremo a los 26 años hasta su fusilamiento en Mendoza.\nLa obra destaca por su versatilidad escénica\, con un juego actoral vertiginoso y desafiante: Sebastián Vila interpreta a Carrera mientras que Francisco Sánchez encarna a todos los demás personajes históricos\, acompañado por la música en vivo de María Clara Valle. \nSobre Tryo Teatro Banda\nCon su sello característico\, Tryo Teatro Banda se dedica a trabajar temas históricos chilenos y su historia mestiza combinando la música en vivo multinstrumental\, las artes de la actuación y de los antiguos juglares\, resultando en obras ágiles y lúdicas para un público transversal.\nLa compañía es dirigida por la dupla Francisco Sánchez y Carolina González\, con una veintena de obras entre las que destacan\, entre otras\, Cautiverio felis (sic); Pedro de Valdivia: la gesta inconclusa;Jemmy Button; La Araucana; La expulsión de los Jesuitas o ¡Parlamento!\, con las cuales han recorrido Latinoamérica\, Estados Unidos\, España y Reino Unido. \n¿Quieres saber más acerca de la compañía y de esta obra? Descargar el Programa de mediación AQUÍ\n\n\n«Una original y particular humanización de una célebre figura» – Mario Valle\, El Mercurio \n«Ambos actores dan ritmo a la obra y exploran en los distintos personajes un perfil emocional\, creativo\, contradictorio\, humano y original. Con humor\, el montaje entrega guiños al acontecer nacional\, además de una crítica política y social de la cual se hace cargo en todo momento del montaje.» – Alejandra Aguilar\, Cooperativa.cl
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SUMMARY:El invitado
DESCRIPTION:Especial aniversario 25 años\nTryo Teatro Banda\n[Del 24 de abril al 4 de mayo]\nCon su sello característico\, Tryo Teatro Banda se dedica a trabajar temas históricos chilenos y su historia mestiza combinando la música en vivo multinstrumental\, las artes de la actuación y de los antiguos juglares\, resultando en obras ágiles y lúdicas para un público transversal.\nLa compañía es dirigida por la dupla Francisco Sánchez y Carolina González\, con una veintena de obras entre las que destacan\, entre otras\, Cautiverio felis (sic); Pedro de Valdivia: la gesta inconclusa; Jemmy Button; La Araucana; La expulsión de los Jesuitas o ¡Parlamento!\, con las cuales han recorrido Latinoamérica\, Estados Unidos\, España y Reino Unido.\n\nEl ciclo comienza con El invitado\, texto del reconocido Premio Nacional de Artes\, Juan Radrigán\, siendo ésta la primera obra fundacional de Tryo Teatro Banda en sus inicios como compañía en 2000.\nLa obra cuenta la historia de un matrimonio marginal desesperado por sacar de su hogar a un invitado que no quiere dejarlos. La obra comienza cuando le preguntan a los espectadores cómo hicieron para acostumbrarse a vivir con el invitado\, que simboliza al convidado de piedra que fue la dictadura y las leyes del mercado que se impusieron como un valor positivo e invita al espectador a reflexionar sobre la indiferencia; mientras los personajes buscan\, junto al público\, la forma de recuperar lo perdido. A través de recuerdos compartidos\, los personajes confrontan sus propios dilemas existenciales y el público se convierte en confidente. Una obra con fragmentos musicales\, risas agridulces y una fuerte crítica social.\n\nSobre el dramaturgo\nJuan Radrigán Rojas (1937-2016) exploró diversos géneros literarios como narrativa\, poesía y ensayo. Sin embargo\, a partir de 1979\, con el estreno de su primera obra teatral\, Testimonios de las muertes de Sabina\, inició su veta en la dramaturgia. Entre sus obras más relevantes se cuenta Hechos consumados (1981)\, El toro por las astas (1982)\, Made in Chile (1984)\, El pueblo de mal amor (1986)\, La contienda humana (1988)\, El encuentramiento (1996) y Amores de cantina (2011). Las obras teatrales de Juan Radrigán hablan de la marginalidad social\, asociadas al contexto político\, económico y cultural de la dictadura militar chilena. Obtuvo el Premio Nacional de Artes en 2011.
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SUMMARY:Mister Shakespeare
DESCRIPTION:Última obra inédita de De la Parra con tintes autobiográficos\n[27 de marzo al 13 de abril]\nMister Shakespeare es un monólogo íntimo y fragmentado que reflexiona sobre el desgaste creativo y la autoexplotación como medio de producción en un entorno artístico precarizado. \nEn medio de un salón de pool\, no sabemos si un actor\, un psiquiatra\, o un dramaturgo que dice llamarse William Shakespeare\, sostiene una conversación con la audiencia cuestionando la vigencia del arte y el agotamiento emocional que conlleva la creación. \nMientras este sujeto agotado pincha vinilos en una tornamesa\, comparte las contradicciones de su camino artístico\, el absurdo de consolidarse como un artista de renombre\, y la condena de estar atrapado en la eternidad de su obra: el cuerpo se desgasta\, el cáncer lo consume\, pero la muerte no llega. \nEl montaje se sustenta en el despliegue de un actor mayor mezclando referencias históricas\, filosóficas y personales en un tono que oscila entre la ironía y la melancolía\, y que nos invita a reflexionar sobre la inevitable decadencia del cuerpo\, la lucha constante entre la finitud humana y la aspiración a lo eterno. La figura de este sujeto moribundo\, multifacético y contradictorio se convierte aquí en un símbolo de la búsqueda de sentido a través del arte\, la memoria y la palabra. \nEsta es sin duda una obra con tintes autobiográficos donde se funden las plumas de Marco Antonio de la Parra y William Shakespeare. \nMarco Antonio de la Parra ha sido galardonado con el Premio Max Hispanoamericano de las Artes Escénicas (España) y el Premio a la Trayectoria de las Artes Escénicas (Chile).
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SUMMARY:Mister Shakespeare
DESCRIPTION:Última obra inédita de De la Parra con tintes autobiográficos\n[26 al 29 de marzo]\nMister Shakespeare es un monólogo íntimo y fragmentado que reflexiona sobre el desgaste creativo y la autoexplotación como medio de producción en un entorno artístico precarizado. \nEn medio de un salón de pool\, no sabemos si un actor\, un psiquiatra\, o un dramaturgo que dice llamarse William Shakespeare\, sostiene una conversación con la audiencia cuestionando la vigencia del arte y el agotamiento emocional que conlleva la creación. \nMientras este sujeto agotado pincha vinilos en una tornamesa\, comparte las contradicciones de su camino artístico\, el absurdo de consolidarse como un artista de renombre\, y la condena de estar atrapado en la eternidad de su obra: el cuerpo se desgasta\, el cáncer lo consume\, pero la muerte no llega. \nEl montaje se sustenta en el despliegue de un actor mayor mezclando referencias históricas\, filosóficas y personales en un tono que oscila entre la ironía y la melancolía\, y que nos invita a reflexionar sobre la inevitable decadencia del cuerpo\, la lucha constante entre la finitud humana y la aspiración a lo eterno. La figura de este sujeto moribundo\, multifacético y contradictorio se convierte aquí en un símbolo de la búsqueda de sentido a través del arte\, la memoria y la palabra. \nEsta es sin duda una obra con tintes autobiográficos donde se funden las plumas de Marco Antonio de la Parra y William Shakespeare. \nMarco Antonio de la Parra ha sido galardonado con el Premio Max Hispanoamericano de las Artes Escénicas (España) y el Premio a la Trayectoria de las Artes Escénicas (Chile).
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SUMMARY:La secreta obscenidad de cada día
DESCRIPTION:Vuelve\, A pedido del público\, la obra más vista del Teatro Finis Terrae\n[14 al 23 de marzo]\n«Todo dramaturgo debería hacer tablas de vez en cuando. Te devuelve el cuerpo\, la voz\, el miedo y el desgarro»\, señala el reconocido psiquiatra y dramaturgo Marco Antonio de la Parra\, quien es también actor de su emblemática obra\, La secreta obscenidad de cada día\, que pisará por última vez el escenario del Teatro Finis Terrae. \n40 años han pasado desde que Marco Antonio de la Parra y León Cohen presentaron por primera vez esta obra en 1984 y que ha dado la vuelta al mundo (siendo la obra chilena más representada en Latinoamérica y presentada en importantes escenarios de Francia\, Turquía\, España\, Argentina\, México\, entre otros) y traducida a varios idiomas. La explosiva dupla vuelve a encarnar a estos excéntricos y entrañables personajes. \nLa obra plantea un irónico y descabellado encuentro fortuito entre dos grandes pensadores modernos: Carlos Marx y Sigmund Freud. Este choque de ideas fue el escenario que Marco Antonio de la Parra utilizó para hacer una radiografía metafórica del país de ese entonces y deslizar a través de estos personajes un crudo análisis de la sociedad chilena. \nDos curiosos personajes se encuentran en el banco de una plaza aparentemente dispuestos a atacar a un grupo de escolares a la salida del colegio. Lo que parece empezar como un exhibicionismo se convierte en un diálogo lleno de humor e ironía que entrelaza los principales fundamentos del pensamiento de cada uno\, dando inicio a un sorprendente juego de identidades que parece no tener fin y que les acercará\, peligrosamente\, a cuestionarse el origen de algunos horrores y zonas oscuras de la sociedad actual. \nTras sus últimas presentaciones en Teatro Finis Terrae en 2024 donde se reestró a tablero vuelto\, esta es nuevamente la ocasión ideal para ver a la explosiva dupla Marco Antonio de la Parra y León Cohen. \nMarco Antonio de la Parra ha sido galardonado con el Premio Max Hispanoamericano de las Artes Escénicas (España) y el Premio a la Trayectoria de las Artes Escénicas (Chile). \n“Carcajadas para gente de todos los credos políticos” – El Mercurio \n“Una mirada irónica y sagaz de la realidad chilena” – El Mostrador \n“Asombrosamente vigente” – Wikén \n“Solventes y graciosos” – Culturizarte
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SUMMARY:Teatro a Mil | Sería una pena que se marchiten las plantas
DESCRIPTION:La ruptura de una relación amorosa\n[Teatro a Mil\, 17 y 18 de enero]\nSería una pena que se marchiten las plantas habla sobre la ruptura de una relación amorosa. La crisis en la ruptura se abre cuando uno de los personajes no logra acordarse del acontecimiento más importante de la relación en los ojos del otro. A través de los recuerdos la ex pareja intenta contar su historia en común. Es una obra sobre los intentos de expresarnos verbalmente y crear una historia que podamos contar y que podamos asumir. \nIvor Martinic (Split\, Croacia\,1984) es uno de los autores de teatro europeos más prometedores\, con más de 20 premios nacionales e internacionales por su trabajo teatral. Se graduó en Dramaturgia en la Academia de Arte Dramático de Zagreb\, y desde 2006 trabaja como dramaturgo y dramaturgista en distintos teatros de Croacia. Uno de sus mayores éxitos en el extranjero ha sido todo lo sucedido con la versión argentina de la obra «Mi hijo sólo camina un poco más lento» dirigida por Guillermo Cacace y que fue proclamada por la prensa «el fenómeno del teatro off». \nGuillermo Cacace es un reconocido actor y director argentino. Su labor como director ha sido reconocido con premios como los Trinidad Guevara\, Radio France Internacional\, Florencio Sánchez\, Teatros del Mundo\, ACE y María Guerrero. Entre otras obras\, sus producciones más recientes son: «Sería una pena que se marchiten las plantas» de Ivor Martinic. Gaviota\, versión libre de La gaviota de Antón Chéjov de Juan Ignacio Fernández\, «Mi hijo sólo camina un poco más lento» de Ivor Martinic\, «La enamorada» de Santiago Loza.
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SUMMARY:Teatro a Mil | Un caso aislado
DESCRIPTION:Obra ganadora de la Muestra Nacional de Dramaturgia llega a Teatro a Mil\n[Teatro a Mil\, 14 y 15 de enero]\nUna madre convierte una reunión entre docente y apoderado en una peligrosa discusión luego que su hija confesara haber sido la responsable de la muerte del perro del colegio.  \nUn caso aislado es una obra basada en las experiencias de abuso y acoso escolar que la misma dramaturga vivió durante su infancia y preadolescencia. El ejercicio de escritura del texto representa una instancia de reparación en cuanto a las experiencias traumáticas vividas y\, a su vez\, una posibilidad de identificación para cualquier víctima que se cruce con la obra.  \n“Es una tensión constante muy atrapante. Uno siente que está observando una conversación ajena\, un secreto que está muy sabroso» – Radio La Clave
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SUMMARY:Teatro a Mil | Choose a better version
DESCRIPTION:Una obra estremecedora sobre la guerra de Ucrania\n[Teatro a Mil\, 10\, 11 y 12 de enero]\nLa obra\, dirigida por el director letón Valters Silis y creada por la dramaturga ucraniana Natalka Blok\, habla de la resistencia\, la imaginación y el heroísmo de su protagonista\, en una historia que transita entre el presente\, el pasado y el futuro\, invitando al público a viajar a través del tiempo y el espacio.  \nEstrenada por primera vez en Estonia el 2023\, Choose a better version ofrece un entorno inmersivo y participativo\, incluyendo proyecciones de video y una meditación colectiva.   \nSe trata de una obra sobre el pasado y el futuro\, sobre la elección que cada uno de nosotros debe hacer\, incluso si no hay elección. Un aspecto importante de la obra es la sinceridad y la experiencia personal de los actores. Sus actuaciones se equilibran entre la actuación teatral y el testimonio documental. Los temas de la identidad son centrales\, en particular la forma en que se ve influenciada por fuerzas externas como la guerra. Los personajes luchan con un sentido de pertenencia\, tanto a su país como a sus vidas personales\, y se cuestionan quiénes son frente a la adversidad. \nLa historia se centra en el trauma psicológico y emocional causado por la guerra en curso en Ucrania\, y en cómo las personas afrontan las duras realidades del conflicto y los efectos a largo plazo en su salud mental. La elección humana y cómo afecta al destino de una persona\, la soledad y el conflicto interno. El tema de la catástrofe\, de un hombre pequeño en el contexto de grandes acontecimientos\, también se rastrea en la obra. \nLa puesta en escena es conmovedora\, de naturaleza sociopolítica\, y refleja los acontecimientos actuales en Ucrania. La dirección de Valters Silis se centra en el realismo y la profundidad emocional mediante el uso de las historias personales de los actores. La obra se caracteriza por una combinación de estilo documental y expresión artística. El uso de modelos a escala y de cámaras crea un espacio de múltiples capas donde la realidad y la ilusión se entrelazan. Las casas en miniatura sirven como metáfora de la vida en ruinas que se proyecta en la pantalla\, lo que realza el impacto dramático.
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SUMMARY:Teatro a Mil | La Reina Isabel cantaba rancheras
DESCRIPTION:El clásico de Hernán Rivera Letelier llega a las tablas de la mano de Gustavo Meza y Teatro Imagen.\n[Teatro a Mil 3\, 4 y 5 de enero]\nLa historia relata el diario vivir en la última de las oficinas salitreras del norte chileno. Los habitantes se han congregado en un sentido ritual de clausura: el velorio de Isabel Pacheco\, la legendaria prostituta a quien todos cariñosamente llaman “La Reina Isabel”\, quien consumió su juventud ofreciendo sus servicios los días de paga. Anduvo de salitrera en salitrera hasta llegar a La Oficina\, la que sería la última explotación minera en activo. Ahora que ha muerto\, la Ambulancia\, la Malanoche\, la Cama de Piedra\, la Dos Punto Cuatro\, el Poeta Mesana y el Astronauta\, todos ellos integrantes de un insólito grupo de rameras y desheredados que la conocieron y amaron\, se reúnen para rendir tributo a su memoria. \nHernán Rivera Letelier construyó uno de los personajes más entrañables de la literatura chilena en torno a la vida\, pasión y muerte de esta mujer legendaria. Un drama recubierto de humor negro\, que no sólo retrató la vida en las salitreras nortinas\, sino que convirtió a su autor en una de las plumas más exitosas de nuestro país\, ganador del Premio Nacional de Literatura. \nLa versión teatral de La reina Isabel cantaba rancheras se estrenó en 1997 y hasta el día de hoy ha mantenido su elenco original con múltiples funciones a lo largo de Chile y festivales\, y ganador del Premio Apes a mejor montaje teatral en 1997. Hoy se reestrena en el marco de los 50 años de Teatro Imagen\, sin duda una de las compañías más longevas y emblemáticas del teatro chileno\, fundada por Gustavo Meza\, ganador del Premio Nacional de Artes. La obra no ha perdido vigencia a través de estas décadas: la unión ante la adversidad\, la mirada pícara y suspicaz de los habitantes de nuestro país\, el esfuerzo a toda prueba por la sobrevivencia\, el amor a la vida a pesar de los pesares\, con personajes conmovedores que luchan por sus vidas con dignidad y sentido del humor en una realidad pampina del todo adversa. \nLa reina Isabel cantaba rancheras se ha convertido en un clásico teatral\, un homenaje de un Premio Nacional -Gustavo Meza- a otro Premio Nacional -Hernán Rivera Letelier-. \n50 años Teatro Imagen\nFundado en diciembre de 1973\, por el Premio Nacional de Artes de la Representación\, Gustavo Meza\, junto a los destacados intérpretes Jael Unger y Tennyson Ferrada\, Teatro Imagen se erigió como un bastión artístico para salvaguardar la cultura e identidad chilena. Desde sus inicios se planteó también como una compañía de repertorio\, realizando creaciones que han logrado proyectarse en el tiempo. Con 65 montajes\, seis premios internacionales y 30 nacionales\, 80 giras por Chile y presentaciones en Argentina\, Brasil\, Bolivia\, Colombia\, Paraguay\, Uruguay\, Venezuela\, Cuba\, México\, Perú y en Norteamérica (EEUU y Canadá)\, la compañía Teatro Imagen cumple cinco décadas desarrollando una labor ininterrumpida en la creación\, experimentación\, docencia y difusión teatral. Ha estrenado a los más destacados dramaturgos: Juan Radrigán\, Andrés Pizarro\, Marco Antonio de la Parra\, Pablo de Carolis\, Enrique Lihn y Gustavo Meza\, y ha dado vida a ocho nuevas salas de teatro\, convocado a más de 200 artistas y fundado la Escuela Teatro Imagen\, de formación profesional\, que ha entregado relevantes figuras al teatro\, actores y actrices de TV y cine\, dramaturgos\, directores y gestores culturales que desarrollan su vocación a lo largo del país. Dado lo poco común en la historia del teatro contemporáneo\, que un sueño cultural con tales pretensiones logre sobrevivir tanto tiempo\, al cumplir sus bodas de oro\, la propia agrupación se dio a la tarea de celebrar sus 50 años con la reposición de varios montajes emblemáticos de la compañía que ya se han integrado a los clásicos del teatro chileno: «Testimonio sobre las muertes de Sabina»; «La Reina Isabel cantaba rancheras»; «Lo crudo lo cocido lo podrido»; y «¡Paren la luna\, que me quiero bajar!».
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CATEGORIES:Cartelera 2025
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SUMMARY:Egresos Escuela de Teatro U. Finis Terrae
DESCRIPTION:Llega el ciclo de Egresos Escuela de Teatro U. Finis Terrae: los nuevos actores profesionales del 2024\n[15  al 23 nov. y 29 nov. al 7 dic.]\nHomo Empathicus\nEl homo sapiens se ha extinguido. El pensamiento competitivo y negativo ha sido superado. Una nueva especie humana habita la Tierra\, es un entramado amoroso de personas que conforman un mundo nuevo\, una comunidad basada en la cooperación\, la cercanía y las caricias: el homo empathicus. \nRebekka Kricheldorf retrata en su dramaturgia una especie humana híper-empática\, comprometida con una exasperante corrección política. Los personajes hablan un nuevo lenguaje plagado de eufemismos\, para evitar cualquier discriminación social\, económica\, estética y de género. \nLa puesta en escena de Cristián Plana encarna el espíritu dócil de estos seres empáticos\, transitando entre la ternura y el humor\, hasta que\, abruptamente\, se ven enfrentados a la violencia que suponían haber erradicado. \n  \nRéquiem Amoris\nUn peculiar coro\, formado por entusiastas que llevan cuatro años cantando juntos en un centro cultural municipal\, ha dedicado su tiempo a alegrar los hogares de personas de la tercera edad. Pero la armonía del grupo se tambalea cuando su director\, Sergio\, comienza a faltar a los ensayos y envía mensajes tan confusos como desconcertantes. A medida que sus canciones pierden el rumbo\, cada miembro del coro se enfrenta a una profunda crisis: ¿qué significa realmente ser parte de este grupo? \nEscrita por Juan Pablo Troncoso y dirigida por Andreina Olivari\, Requiem Amoris es el fruto del proceso de egreso de la carrera de Actuación de la Escuela de Teatro\, agrupados bajo el nombre de “Discordia Colectiva” para este montaje. Con esta creación\, el colectivo plantea una pregunta fundamental: ¿qué es realmente la felicidad? En un mundo que impulsa a buscarla a través del autocuidado y la protección individual\, la obra invita al espectador a reflexionar sobre los límites de esta búsqueda y a cuestionar dónde se encuentra la verdadera felicidad.
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SUMMARY:La secreta obscenidad de cada día
DESCRIPTION:A 40 años de su estreno se despide de las tablas\n[10 al 26 de octubre]\n«Todo dramaturgo debería hacer tablas de vez en cuando. Te devuelve el cuerpo\, la voz\, el miedo y el desgarro»\, señala el reconocido psiquiatra y dramaturgo Marco Antonio de la Parra\, quien es también actor de su emblemática obra\, La secreta obscenidad de cada día\, que pisará por última vez el escenario del Teatro Finis Terrae. \n40 años han pasado desde que Marco Antonio de la Parra y León Cohen presentaron por primera vez esta obra en 1984 y que ha dado la vuelta al mundo (siendo la obra chilena más representada en Latinoamérica y presentada en importantes escenarios de Francia\, Turquía\, España\, Argentina\, México\, entre otros) y traducida a varios idiomas. La explosiva dupla vuelve a encarnar a estos excéntricos y entrañables personajes. \nLa obra plantea un irónico y descabellado encuentro fortuito entre dos grandes pensadores modernos: Carlos Marx y Sigmund Freud. Este choque de ideas fue el escenario que Marco Antonio de la Parra utilizó para hacer una radiografía metafórica del país de ese entonces y deslizar a través de estos personajes un crudo análisis de la sociedad chilena. \nDos curiosos personajes se encuentran en el banco de una plaza aparentemente dispuestos a atacar a un grupo de escolares a la salida del colegio. Lo que parece empezar como un exhibicionismo se convierte en un diálogo lleno de humor e ironía que entrelaza los principales fundamentos del pensamiento de cada uno\, dando inicio a un sorprendente juego de identidades que parece no tener fin y que les acercará\, peligrosamente\, a cuestionarse el origen de algunos horrores y zonas oscuras de la sociedad actual. \nTras sus últimas presentaciones en Teatro Finis Terrae en 2019 donde se había reestrenado a tablero vuelto\, esta será la última vez que podrá verse en escena a la dupla Marco Antonio de la Parra y León Cohen. \nMarco Antonio de la Parra ha sido galardonado con el Premio Max Hispanoamericano de las Artes Escénicas (España) y el Premio a la Trayectoria de las Artes Escénicas (Chile). \n“Carcajadas para gente de todos los credos políticos” – El Mercurio \n“Una mirada irónica y sagaz de la realidad chilena” – El Mostrador \n“Asombrosamente vigente” – Wikén \n“Solventes y graciosos” – Culturizarte
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SUMMARY:La Reina Isabel cantaba rancheras
DESCRIPTION:Hernán Rivera Letelier llega a las tablas de la mano de Gustavo Meza y Teatro Imagen.\n[del 12 Septiembre al 06 Octubre]\nLa historia relata el diario vivir en la última de las oficinas salitreras del norte chileno. Los habitantes se han congregado en un sentido ritual de clausura: el velorio de Isabel Pacheco\, la legendaria prostituta a quien todos cariñosamente llaman “La Reina Isabel”\, quien consumió su juventud ofreciendo sus servicios los días de paga. Anduvo de salitrera en salitrera hasta llegar a La Oficina\, la que sería la última explotación minera en activo. Ahora que ha muerto\, la Ambulancia\, la Malanoche\, la Cama de Piedra\, la Dos Punto Cuatro\, el Poeta Mesana y el Astronauta\, todos ellos integrantes de un insólito grupo de rameras y desheredados que la conocieron y amaron\, se reúnen para rendir tributo a su memoria. \nHernán Rivera Letelier construyó uno de los personajes más entrañables de la literatura chilena en torno a la vida\, pasión y muerte de esta mujer legendaria. Un drama recubierto de humor negro\, que no sólo retrató la vida en las salitreras nortinas\, sino que convirtió a su autor en una de las plumas más exitosas de nuestro país\, ganador del Premio Nacional de Literatura. \nLa versión teatral de La reina Isabel cantaba rancheras se estrenó en 1997 y hasta el día de hoy ha mantenido su elenco original con múltiples funciones a lo largo de Chile y festivales\, y ganador del Premio Apes a mejor montaje teatral en 1997. Hoy se reestrena en el marco de los 50 años de Teatro Imagen\, sin duda una de las compañías más longevas y emblemáticas del teatro chileno\, fundada por Gustavo Meza\, ganador del Premio Nacional de Artes. La obra no ha perdido vigencia a través de estas décadas: la unión ante la adversidad\, la mirada pícara y suspicaz de los habitantes de nuestro país\, el esfuerzo a toda prueba por la sobrevivencia\, el amor a la vida a pesar de los pesares\, con personajes conmovedores que luchan por sus vidas con dignidad y sentido del humor en una realidad pampina del todo adversa. \nLa reina Isabel cantaba rancheras se ha convertido en un clásico teatral\, un homenaje de un Premio Nacional -Gustavo Meza- a otro Premio Nacional -Hernán Rivera Letelier-. \n50 años Teatro Imagen\nFundado en diciembre de 1973\, por el Premio Nacional de Artes de la Representación\, Gustavo Meza\, junto a los destacados intérpretes Jael Unger y Tennyson Ferrada\, Teatro Imagen se erigió como un bastión artístico para salvaguardar la cultura e identidad chilena. Desde sus inicios se planteó también como una compañía de repertorio\, realizando creaciones que han logrado proyectarse en el tiempo. Con 65 montajes\, seis premios internacionales y 30 nacionales\, 80 giras por Chile y presentaciones en Argentina\, Brasil\, Bolivia\, Colombia\, Paraguay\, Uruguay\, Venezuela\, Cuba\, México\, Perú y en Norteamérica (EEUU y Canadá)\, la compañía Teatro Imagen cumple cinco décadas desarrollando una labor ininterrumpida en la creación\, experimentación\, docencia y difusión teatral. Ha estrenado a los más destacados dramaturgos: Juan Radrigán\, Andrés Pizarro\, Marco Antonio de la Parra\, Pablo de Carolis\, Enrique Lihn y Gustavo Meza\, y ha dado vida a ocho nuevas salas de teatro\, convocado a más de 200 artistas y fundado la Escuela Teatro Imagen\, de formación profesional\, que ha entregado relevantes figuras al teatro\, actores y actrices de TV y cine\, dramaturgos\, directores y gestores culturales que desarrollan su vocación a lo largo del país. Dado lo poco común en la historia del teatro contemporáneo\, que un sueño cultural con tales pretensiones logre sobrevivir tanto tiempo\, al cumplir sus bodas de oro\, la propia agrupación se dio a la tarea de celebrar sus 50 años con la reposición de varios montajes emblemáticos de la compañía que ya se han integrado a los clásicos del teatro chileno: «Testimonio sobre las muertes de Sabina»; «La Reina Isabel cantaba rancheras»; «Lo crudo lo cocido lo podrido»; y «¡Paren la luna\, que me quiero bajar!».
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SUMMARY:Historia de amor para un alma vieja
DESCRIPTION:Luz Jiménez\, Eduardo Barril y una tierna historia de amor\n[del 23 de agosto al 8 septiembre]\n\n«Una fina y sutil revalidación de los mayores […]. Un deleite ver en escena a Barril y Jiménez\, y cumplen en forma magistral su trabajo». El Mercurio\n\nUn jubilado capitán de la marina en una aparente soledad y acompañado de su tortuga\, espera un misterioso llamado telefónico de una amiga ante la curiosidad de su nieta adolescente Nora\, quien lo ha visitado en sus vacaciones de invierno. El anciano ha cometido un error que no sabe cómo remediar. Cuando Nora descubra el suceso y de quién es el esperado llamado\, emprenderá junto a él un cúmulo de acciones para ablandar su inflexibilidad e impulsar su ímpetu para pedir perdón. \nAcompañados por un piano de cola con Chopin y boleros\, Eduardo Barril y Luz Jiménez protagonizan junto a Colomba Larraín y Pascale Zelaya esta conmovedora obra bajo la delicada dirección y texto del dramaturgo más destacado de esta última generación de escritores teatrales\, Felipe Zambrano («El traje del novio»\, ganador Muestra Nacional de Dramaturgia). \n«Historia de amor para un alma vieja» aborda con sensibilidad temáticas sobre la cuarta edad como el amor en la edad madura\, la reinvención de la vejez\, la memoria y los diálogos intergeneracionales. Nunca es tan tarde para cambiar y empezar de nuevo… Obra Ganadora Mención Honrosa en el III Concurso de Dramaturgia Jorge Díaz del festival FAMFEST.
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SUMMARY:Una comedia súper triste
DESCRIPTION:Premiada dramaturga Carla Zúñiga y su comedia «no tan» triste\n[del 2 al 18 de agosto]\nBajo la dirección de la renombrada compañía Chilean Business (Claudia Pérez y Rodrigo Muñoz)\, la obra pone en relieve a quienes no encajan en los moldes predeterminados de un sistema social funcional. \nAna y Pablo son dos desadaptados que se encuentran en situaciones similares. Sin conocerse\, interactúan con distintos personajes que les hacen pensar que nacieron para fracasar. Estas dos soledades desesperanzadas buscan encontrar alguna razón para seguir viviendo\, cargando con un secreto que no son capaces de revelar. \nLa historia se narra a través de un viaje cómico y absurdo\, con el lenguaje lúdico y particular que caracteriza a la premiada dramaturga chilena Carla Zuñiga: Premio Círculo de Críticos de Arte\, Mejor Obra Literaria categoría dramaturgia del Ministerio de las Culturas\, exdirectora artística de la XX Muestra Nacional de Dramaturgia\, y autora de emblemáticas obras como «La trágica agonía de un pájaro azul»; «El amarillo sol de tus cabellos largos»; «Prefiero que me coman los perros»; «Un montón de brujas volando por el cielo»; «Yo también quiero ser un hombre blanco heterosexual»\, entre otras. Un imperdible de una de las dramaturgas más originales del último tiempo.
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SUMMARY:Intimidad
DESCRIPTION:Raymond Carver traído con humor en una obra para dos actores… y un refrigerador\n[del 5 al 28 de julio]\n“Si me hubieras devuelto la plata. Si todos me pagaran lo que me deben no tendría el refrigerador con un raspado de mantequilla y una lechuga…¿Oíste bien?… una lechuga!” \nEduardo\, un hombre de clase media que resiste a la precariedad\, queda inmerso en un mundo de deberes y culpas que lo atrapan en una suerte de inmovilismo que atenta contra sus sueños de libertad. El dinero -o la ausencia de él- se refleja en un tercer personaje de la obra\, el refrigerador\, aparato que juega un rol central en el paso del tiempo y en la vida del protagonista y sus fantasmas que lo acosan con demandas ahogantes. \nInspirada en los cuentos «La intimidad» y «El elefante» del denominado “padre del realismo sucio”\, Raymond Carver\, la puesta en escena de Nicolás Eyzaguirre Bravo y diseño escenográfico de Tamara Figueroa convierte en humor negro el último texto teatral escrito por el reconocido guionista Sergio Bravo\, fallecido en 2022. El montaje rompe el particular realismo de Carver con una mirada marcada por el absurdo\, el humor negro y un gran juego actoral\, poniéndola en relación con elementos escénicos contemporáneos. \n  \n\nMariel Bravo (actriz)\n\n\nSus primeros pasos en el escenario fueron junto al mítico grupo ALEPH. Estudió actuación en el Taller 666 y en los años 80 fue parte del elenco estable del teatro ICTUS\, compañía con la que realizó diversos montajes de creación colectiva que les significaron un gran reconocimiento tanto en Chile como en el extranjero. Trabajó estrechamente con Malucha Pinto en la creación de «Las Reinas del Mambo» y en posteriores montajes. Como gestora Cultural fue agregada Cultural en México y Uruguay. \n\nÁlex Zisis (actor)\n\nSe inicia en la actuación teatral en el Grupo de Teatro ALEPH donde participa en diversas obras de creación colectiva. Durante su carrera ha actuado en obras dirigidas por connotados directores como Gustavo Meza\, Ramón Griffero\, Delfina Guzmán y Nassim Sharim\, Raul Osorio\, Sebastian Vila\, Alejandro Castillo\, entre otros. Muchos de sus trabajos han sido reconocidos y premiados por la crítica especializada e invitados a presentarse en importantes festivales internacionales. Paralelamente a su vida en el teatro ha trabajado en televisión donde participó en más de 20 teleseries y en programas de humor. \n\nNicolás Eyzaguirre (director)\nDirector Artístico del Centro Cultural Teatro Container. Egresado de Actuación Teatral del Club de Teatro de Fernando González\, titulado como Director de Arte de la Universidad Mayor y máster en Proyectos Culturales de Espacio Público de París 1. Durante su trayectoria ha actuado\, dirigido y practicado la docencia\, siempre buscando poner el teatro en diálogo con el contexto. \nSergio Bravo (dramaturgo)\nEscritor\, guionista y consultor creativo\, fue vicepresidente de la Sociedad de Autores de Teatro y Audiovisuales ATN y miembro de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor SCD. Fundador del mítico Teatro Aleph\, grupo de vanguardia creado a fines de los 60’. Director creativo de grandes eventos y autor de numerosos himnos y canciones\, entre ellos «La alegría ya viene». Icónico guionista de televisión de programas de humor\, documentales\, series y teleseries\, particularmente recordado por las producciones de la denominada Era de Oro del área dramática de TVN\, bajo la dirección de Vicente Sabatini.
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SUMMARY:La Metamorfosis
DESCRIPTION:Kafka a 100 de su muerte con aplaudida versión teatral\n[del 20 al 30 de junio – Solo 8 funciones]\nUna mañana Gregorio Samsa despierta\, luego de una pesadilla\, sufriendo un cambio que le hace ver y comportar como el insecto que desde niño le ha hecho sentir su entorno familiar y social. En medio del automatismo de una rutina mental y física\, perdiendo y olvidando su naturaleza humana\, el personaje irá somatizando progresivamente una transformación y alienación irreversibles. La Metamorfosis es una de las obras cumbres de la literatura moderna escrita en 1915 y que sigue resonando inexorablemente hoy en día. \n“Es una metáfora de la condición humana. Las pensiones\, la corrupción política\, la información que deforma las diversas realidades\, etc. son hoy unos de los elementos más aborrecibles. Desde ahí\, si pensamos en la novela de Kafka\, nos damos cuenta como la familia Samsa convive con eso que no corresponde al humano… y nosotros ¿nos adaptamos o acostumbramos\, en el letargo frente al nuevo intento»\, subraya Ricardo Gaete. \nEsta versión teatral dialoga con lenguajes escénicos que tiene su raíz en el arte corporal\, incorporando la caracterización física y vocal de Ricardo Gaete quien es autor\, director y protagonista de este unipersonal donde interpreta siete personajes\, incluyendo al espectro de Franz Kafka a 100 años de su muerte. La puesta en escena cuenta además con la asesoría escénica del Premio Nacional de Artes Ramón Núñez\, composición musical de Jorge Martínez (primer compositor del Teatro del Silencio) y la iluminación del destacado escenógrafo de trayectoria Willy Ganga. \nNo te pierdas además el Ciclo de charlas online Kafka 100 años\nLa Cátedra Siglo XXI de la Universidad Finis Terrae ofrecerá un ciclo de conferencias destinado a analizar los grandes hitos de la vida y obra del autor checo\, bajo la mirada de los destacados expositores Diamela Eltit (Premio Nacional de Literatura)\, Gregory Cohen y León Cohen\, y del director de la Cátedra\, Marco Antonio de la Parra. \n25 de junio (Marco Antonio de la Parra)\n27 de junio (Diamela Eltit)\n2 de julio (Gregory Cohen)\n4 de julio (León Cohen)\n19:00 horas – Inscripciones: extensioncultural@uft.cl \n  \n\nRicardo Gaete\n\n\nRicardo Gaete es uno de los más destacados actores de teatro físico y mimo contemporáneo en Chile y ha seguido la línea de los más importantes maestros del mimodrama y teatro físico como Marcel Marceau (1923-2027) y Ángel Elizondo (1932-2022)\, con estudios en la International School of Dramatic Corporeal Mime de Londres y Doctorando de la Universidad Complutense de Madrid. Es además fundador de EscenafísicA\, la primera Escuela Internacional de Mimodrama Contemporáneo & Teatro Corporal en Latinoamérica. Ha llevado a escena la trilogía Kafka con La Metamorfosis\, PRIMATE… Informe para una academia y K…El Proceso\, entre otros reconocidos montajes que ha girado por el mundo entero.
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SUMMARY:Subterráneo
DESCRIPTION:¿Te has quedado atrapado?\n[del 24 de mayo al 16 de junio]\nLa obra pone en escena el encuentro de dos desconocidos en el estacionamiento de un centro comercial: Andante ha olvidado el lugar en el que estacionó su automóvil y lo busca infructuosamente\, mientras Vigilante recorre los numerosos pisos del subterráneo en su bicicleta\, siguiendo misteriosas instrucciones dictadas por el intercomunicador que lleva consigo. Nada es lo que parece y el absurdo se impone. \nLa obra se inspira en todos los infiernos de la vida contemporánea. Todos nos hemos perdido en un estacionamiento. A todos nos piden una y otra vez los documentos. Todos nos hemos sentido atrapados. Todos estamos siendo vigilados. Subterráneo asume con una mezcla de humor negro y teatro del absurdo esos terrores cotidianos entre la extrañeza\, la carcajada y el pavor. \nCon Subterráneo\, el dramaturgo\, guionista de TV\, editor y docente Benito Escobar retorna a su origen: las tablas. Entre finales de la década del ’90 y primera década de los años 2000\, fue uno de los escritores más relevantes de la escena nacional del cambio de siglo en la denominada generación de “Los nuevos dramaturgos”. Premio Consejo Nacional del Libro (1998) y el Premio Muestra Nacional de Dramaturgia en tres oportunidades (1996\,1999 y 2005) con sus obras «Game over»\, «Pedazos rotos de algo» y «Ulises o no». Sus textos han sido publicados en antologías chilenas y mexicanas\, y montadas en Chile\, España\, Argentina y México. \nEl director de la compañía de trayectoria Teatro La Puerta\, Luis Ureta\, ha querido poner el acento en las capacidades lúdicas y dramáticas del juego actoral de Sergio Piña y Carlos Ugarte: “Ambos tienen un enorme registro que pasa desde el humor más desatado\, hasta situaciones de mayor complejidad y hondura en lo que yo llamo ‘comedia ominosa‘. Todo esto nos permite entregar una puesta en escena donde los registros son muy amplios\, arrojados y valientes\, que pueden generar en los espectadores intensas emociones y un espacio de reflexión. Se empiezan a configurar planos de escritura y de posibilidad de análisis. Lo más cercano\, dado que se situaba en el subterráneo de un mall\, es todo lo que significa ir descendiendo. Está la referencia también de los personajes: Vigilante y Andante\, por Virgilio y Dante de «La divina comedia»\, y su descenso al infierno en este templo del consumo”\, concluye. \n  \n\nBenito Escobar\n\n\nDramaturgo\, guionista\, profesor de escritura y editor. Licenciado Letras Pontificia Universidad Católica de Chile. Máster Artes Escénicas Universidad Autónoma de Barcelona. 20 años de experiencia en talleres de creación literaria. Becas del programa Alban y Fondart. Premio Consejo Nacional del Libro (1998) y el Premio Muestra Nacional de Dramaturgia (1996\,1999 y 2005) con sus obras “Game over”\, “Pedazos rotos de algo” y “Ulises o no”. Sus obras están incluidas en varias antologías teatrales. Actualmente es el Director de las Ediciones Universidad Finis Terrae.
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SUMMARY:La Tempestad
DESCRIPTION:Shakespeare en su mejor versión\n[del 27 de abril al 12 de mayo]\nEsta aplaudida versión del clásico de Shakespeare\, que fuera la última obra en vida del afamado director franco-inglés Peter Brook\, vuelve nuevamente al Teatro Finis Terrae\, con Pablo Schwarz y Diana Sanz en los roles protagónicos de Próspero y el espíritu Ariel. \nDespojándose de algunas escenas y personajes secundarios\, y dejando solo la esencia de La Tempestad\, esta delicada puesta en escena de la dupla icónica europea Peter Brook y Marie-Hélène Estienne se centra en el anhelo de libertad como concepto clave añorado por sus protagonistas. Y como siempre con Shakespeare\, la palabra viene a nuestros oídos como una sugerencia y queda resonando como un eco. \nEn la isla donde están confinados\, el esclavo Calibán y el espíritu Ariel quieren su libertad y el exiliado duque Próspero debe liberarse de la tarea que se ha autoinfligido y que le impide ser libre. Gracias al arte de la magia puede transformar los elementos a su antojo y crear tempestades. Pero su deseo de venganza lo devora y solo podrá perdonar cuando vea nacer el amor entre su hija Miranda y Fernando\, hijo de su enemigo el Rey. Próspero\, quien desea retirarse de la vida\, tendrá que pedir humildemente perdón y su libertad. \nEsta es la historia de La Tempestad (Tempest Project)\, montaje aplaudido en toda Europa en su versión francesa con los actores del Théâtre des Bouffes du Nord y en Chile con los actores del Teatro Nacional Chileno\, y destacado por su mezcla de simpleza\, sutileza y complejidad. La versión creada para Chile conducida por la directora Amalá Saint-Pierre es fiel a la original con un destacado elenco nacional encabezado por Pablo Schwarz y Diana Sanz (Premio Mejor Actriz Círculo de Críticos de Arte de Chile 2022)\, junto a la nueva promesa del teatro nacional Noelia Coñuenao como Miranda\, Alex Quevedo como Calibán y Fernando\, y Aldo Marambio con Rafael Contreras como los borrachos. \nEsta última obra escrita por Shakespeare fue sin duda su propio testamento literario. Fue asimismo la última puesta en escena en vida de Peter Brook antes de fallecer en julio de 2022\, coincidiendo el día de su muerte con la última función en su primera temporada en el Teatro Nacional Chileno. Tras su estreno en el Festival Teatro a Mil\, temporadas en el Teatro Nacional Chileno y Teatro Finis Terrae\, giras en Antofagasta y Puerto Montt\, vuelve a la sala Finis Terrae donde tuvo gran acogida en 2023. \n«Depurada puesta en escena afianzada en la teoría del espacio vacío de Peter Brook\, en el que prima el despojo de todo elemento no esencial y se impone un minimalismo que apela a la imaginación del espectador como soportes básicos». Todalacultura.org \n«Un nivel interpretativo superlativo\, con convicción dramática y escénica que transmite esta entretenida\, ágil\, y siempre existencialista recreación de La Tempestad.» CineyLiteratura.cl \n«Esta puesta en escena hace la conjunción con el pasado\, simbolizando la atemporalidad de las obras de Shakespeare». Culturizarte.cl \n«La dirección de actores en unión con la puesta en escena minimalista heredada desde Europa\, se conjugan en un acercamiento a Shakespeare muy logrado al contexto chileno\, donde cada elemento simboliza un concepto\, una idea\, y una imagen que revitalizan la noción de lo clásico». CineyLiteratura.cl \n«Puro Shakespeare. Puro Brook.” Diario El País\, España \n\nPETER BROOK\n\n\nNacido en Londres en 1925 y fallecido en París en 2022\, es considerado uno de los directores de teatro contemporáneo más influyentes del siglo XX. Durante su carrera ha desarrollado géneros como el teatro\, la ópera\, el cine y el ensayo. Su primera puesta en escena de La Tempestad se estrenó en 1968 y fue remontada en 1990\, siendo Tempest Project una nueva versión del clásico shakesperiano\, y su última creación en vida antes de fallecer en julio de 2022. Ha ganado dos premios Tony\, dos premios Laurence Olivier Theatre\, y el Premio Princesa de Asturias de las Artes\, entre otros. Además de director fue también un destacado pensador y ensayista\, contribuyendo al pensamiento teatral especialmente con su libro El espacio vacío (1968).
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SUMMARY:Educando a Rita
DESCRIPTION:[14 de marzo al 21 de abril *excepto semana 28-31 marzo]\nRita\, una joven y rebelde peluquera no se resigna a cumplir su sueño de una mejor educación. Su tutor Frank es un amargado profesor que ha perdido su pasión por enseñar. Juntos emprenden un viaje que removerá por completo sus existencias.\n\nA través de los entrañables personajes\, la obra nos recuerda el innegable hecho de que la enseñanza es un camino de doble vía\, en el que tanto profesor como alumno aportan y reciben en igual medida\, generando con frecuencia uno de los vínculos más valiosos y generosos con el que nos topamos todos en algún momento de nuestras existencias.\n\nComisionada por la Royal Shakespeare Company y estrenada originalmente en Londres en 1980\, esta connotada obra fue luego llevada al cine por Lewis Gilbert con Julie Walters y Michael Caine\, donde se hizo mundialmente conocida por sus nominaciones al Oscar y ganadora de los premios Bafta y Globo de Oro en el ’83. Tras 30 años de su primera versión en Chile regresa a las tablas nacionales\, esta vez dirigida por el actor Álvaro Espinoza en su debut como director y con las grandes actuaciones de Francisco Reyes y Andrea García-Huidobro.
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SUMMARY:Memoria
DESCRIPTION:Festival Teatro a Mil 2024\n[19 al 21 de enero]\nMemoria es un viaje onírico en donde cuatro actores interpretan a personajes vivos y muertos que se enfrentan al dilema de asumir la responsabilidad de la propia vida. A través de la transgresión del tiempo lineal y la superposición de diversas situaciones que mezclan drama y humor\, estos personajes habitan espacios cotidianos\, míticos y poéticos. Cruzadas por música original interpretada en vivo por los mismos actores\, las escenas nos llevan a un viaje por los recuerdos y hacia el interior. \nQuiénes son\nTeatro Anónimo\nFundada en 2018\, la compañía chilena Teatro Anónimo trabaja en la creación de obras que abordan la deshumanización del sujeto contemporáneo. Sus montajes son piezas teatrales y musicales compuestas especialmente por sus integrantes\, que -combinando drama y comedia- buscan conducir al espectador a un viaje emocional. Su apuesta es lograr un resultado sofisticado con bajo presupuesto\, siendo esta una postura política frente al consumismo imperante. Sus obras se han presentado en Holanda\, Estados Unidos\, Perú\, Argentina y Chile.\n\n“La música original tocada en vivo por los mismos actores son la esencia de la obra […] y generan una especie de concierto escénico que logra el punto fuerte emocional de la obra”. – Culturizarte \n“La obra nos invita\, a través de un lenguaje simbólico\, a reflexionar sobre la vida\, la muerte y la responsabilidad del propio camino”. – Revista Satch \n“Memoria es una obra que abre las compuertas de la remembranza y el relato\, de la historia privada y pública\, es\, en definitiva\, un montaje que nos llama a ese ejercicio evocativo\, un acto que funda civilizaciones y destruye otras\, un acto que lleva a la erección de Estados y a su derrocamiento”. – El Mostrador
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SUMMARY:Cuando Mayo ya no sea Mayo
DESCRIPTION:Festival Teatro a Mil 2024\n[17 y 18 de enero]\nCuando Mayo ya no sea Mayo es la historia de una mujer que cuenta cómo el amor de su vida se ha extraviado tanto en el laberinto de los recuerdos\, que ya no sabe si son los suyos o los de ella misma. \nDennis está sobre la escena e interpela al público\, lo invita a su ficción\, les explica que en la siguiente hora la veremos retratar esa terrible enfermedad que es el olvido de su pareja sentimental\, Mayo. Ella ha sido diagnosticada y se encuentra pasando por un difícil proceso de ver cómo se van desapareciendo todos los rasgos de sí\, de lo que fue\, de lo que hizo\, del amor que ambas se tuvieron desde el primer momento en que se vieron. \nQuiénes son\nEl Señor M. no es más que otro nombre de las tantas asociaciones creativas escénicas que el director escénico y dramaturgo colombiano Manuel Orjuela ha consolidado durante más de 20 años de carrera artística y casi 45 espectáculos realizados. Todos ellos de distinta índole y formatos. En esta ocasión se podrá apreciar una de las tantas piezas que ha venido desarrollando desde el 2015 en su propio apartamento en Bogotá. Su particularidad radica en la capacidad de desarrollo de intimidades sofocantes y tristes.
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SUMMARY:STALIN
DESCRIPTION:Festival Teatro a Mil 2024\n[15 al 17 Enero]\nSTALIN sitúa su ficción en los años 1952/1953 cerca de Moscú\, en la residencia personal del dictador.\nItsik Sager\, un viejo actor judío y director del Teatro de Arte de Moscú\, que está representando al Rey Lear de Shakespeare\, es detenido sin explicación y llevado frente a Stalin\, cuestionado por la politización de la que estaría dotando a su versión de la obra de Shakespeare.\n \nUna atmósfera llena de simbolismos se despliega durante la conversación nocturna entre estos dos ancianos. Durante el diálogo\, en que se intercalan pasajes del texto de Shakespeare\, Sager -como tantos otros- queda atrapado en la red de violencia\, terror y persecución: el tan temido «pogrom«. \nEl montaje ilumina el pasado y apunta de forma directa a nuestro presente\, donde los discursos polarizantes están ganando cada vez más espacio. Stalin es un ejercicio escénico\, histórico y de memoria; una reflexión necesaria sobre la política y el poder de las dictaduras\, a 70 años de la muerte de Iósif Stalin y ahora bajo la lupa de los conflictos actuales. \n«Gastón Salvatore es una de esas joyas ocultas de nuestra dramaturgia. Hizo su carrera en Europa con un gran éxito siendo quizás Stalin su obra cumbre. Un texto espléndido\, monumental\, que requería ser conocido en Chile. Retrato de la más cruel dictadura\, es un desafío actoral enorme. No podíamos seguir huérfanos de la obra de Salvatore» dice el director artístico del Teatro Finis Terrae\, Marco Antonio de la Parra. \nMezclando lenguaje y vestuario realista de época con una plástica que evoca un universo pesadillesco\, la puesta en escena local ilumina el pasado y apunta de forma directa a nuestro presente. En un momento en que los discursos polarizados están ganando cada vez más espacio\, Stalin un ejercicio escénico\, histórico y de memoria; una reflexión necesaria sobre la política y el poder de las tiranías. “Es una buena forma de visitar la figura de los dictadores con cierta distancia histórica. En el marco de la conmemoración de los 50 años del Golpe en Chile y de los 70 años de la muerte del dictador soviético\, es una manera de hacer un punto de diálogo\, de ir hacia atrás y\, en este caso\, al extranjero para revisar nuestros propios fantasmas”\, concluye el director Jesús Urqueta. \nEstrenada originalmente en 1987 en el prestigioso Teatro Schiller de Berlín\, la obra se representó exitosamente a nivel mundial hasta la década del 90. En el Teatro Círculo de Viena\, la escenificó George Tabori\, siendo retransmitida por televisión. En Karlsruhe\, la escenificó el mismo Gastón Salvatore. «Stalin» ha sido traducida a numerosos idiomas\, entre ellos\, al polaco y al ruso. Esta es la primera vez que se presenta en Chile con puesta en escena del premiado director Jesús Urqueta. \n«Sergio Hernández y Daniel Antivilo sobresalientes interpretaciones; Jesús Urqueta impregna al montaje la tensión y suspensos adecuados\, apoyado en un interesante e inteligente texto de Gastón Salvatore. […] Un agudo y directo enjuiciamiento a los totalitarismos de todos los signos«. El Mercurio \n«Agudo y estremecedor\, por lo asertivo\, retrato del arte y los artistas bajo la bota del dictador ruso. Un texto brillante\, y buenas actuaciones y dirección«. Todalacultura \n«Un texto que se impone por su peso. Impacta por la contundencia del texto y dos sólidas actuaciones«. Galaxiaviral \n\nQuiénes son\nGASTÓN SALVATORE\n\nEl chileno-italiano Gastón Salvatore (Valparaíso 1941- Venecia 2015) ha desarrollado una exitosa carrera literaria en Europa. En los años ’70 se codeó con Michelangelo Antonioni y a comienzos de los ’80 fundó la revista Trans-Atlantik con Hans Magnus Enzensberger. También fue uno de los líderes del movimiento estudiantil de Mayo del ’68. En nuestro país\, su figura no es muy conocida\, y es que toda su carrera la ha hecho en Europa\, principalmente en Alemania\, donde es considerado uno de los dramaturgos más importantes de las últimas décadas. Es el único extranjero que ha ganado el Premio Kleist\, el símil alemán a nuestro Premio Nacional de Literatura\, el mismo que en su momento obtuvieron Bertolt Brecht\, Alexander Kluge y Herta Müller. Todas sus obras teatrales\, que suman una veintena\, han recorrido el mundo y han sido traducidas a un sinfín de idiomas que incluyen el polaco y el ruso. Su creación más famosa fue “Stalin” (1985) se presentó en el Teatro Schiller de Berlín (1987) y el Teatro Círculo de Viena.\n(biografía extraída de TheClinic.cl\, 2012) \nJESÚS URQUETA CAZAUDEHORE\n\nDirector escénico de vasta trayectoria. Ha recibido el premio del Círculo de Críticos de Arte a mejor Dirección por «Arpeggione» y mejor Montaje nacional por «El mar en la muralla». Entre sus obras dirigidas destacan además “Primavera con una esquina rota”\, “Cuestión de Principios”\, «Pedro\, Juan y Diego»\, «La verdad»\, » Colectivo total e inmediato de una inminente salvación terrestre»\, “Prefiero que me coman los perros” “Violeta\, de tiernos y feroces”\, “Todo se limita al deseo de vivir eternamente”\, «Taská o como llenar este agujero que tengo en el corazón»\, C(civil) y Ele (la oficina)». El director es también Magíster en Artes\, Diplomado en Educación\, Memoria y Derechos Humanos\, docente universitario\, y tiene asimismo estudios en periodismo y cine documental.
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SUMMARY:Todos no están (Tutti non ci sono)
DESCRIPTION:Festival Teatro a Mil 2024\n[11 al 13 de enero]\nTodos no están (Tutti non ci sono) del director\, actor y dramaturgo italiano Darío D’ambrosi\, es un intento por demostrar cuan borrosa es la frontera entre la locura y normalidad\, cuestionando estos conceptos más allá de los prejuicios comunes. \nEl espectáculo comienza con la proyección de un documental rodado en New York por el italoamericano Gerard Saldó\, que muestra a un enfermo psiquiátrico saliendo del manicomio\, con una jaula vacía en su mano\, deambulando por la ciudad. El enfermo camina por las calles encontrándose con varios personajes que lo evitan\, hasta llegar a la puerta de un teatro. Así\, este espectáculo\, pasa del video a la acción escénica. \nInspirada en el cumplimiento de la ley 180 de Franco Basaglia (1978)\, donde pacientes psiquiátricos son expuestos a la ciudad sin ningún criterio\, esta obra propone el encuentro entre el teatro y la enfermedad mental para enriquecer ambas realidades\, devolviéndoles su dignidad. \nQuiénes son\nDarío D’Ambrosi\nUno de los grandes artistas de la vanguardia italiana\, creador del movimiento teatral denominado Teatro Patológico. Actor\, director y autor de espectáculos que representan pensamientos y comportamientos de las personas con enfermedades mentales\, es del más allá uno de los fenómenos teatrales más interesantes del panorama de su país. Sus espectáculos tienden a investigar la locura de enfermos psiquiátricos\, para devolver\, como afirma el propio D’Ambrosi\, la dignidad del “loco”.\n“Obras como la del Teatro Patológico deberían tener la misma dignidad que un servicio público”. – Ghigliottina\, 2023
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SUMMARY:Como si pasara un tren
DESCRIPTION:Festival Teatro a Mil 2024\n[4 al 6 de Enero]\nComedia dramática de la destacada dramaturga trasandina Lorena Romanin\, cuya obra se presentó con gran éxito en Argentina\, España\, Brasil y Uruguay y Nueva York. A Chile llegó de la mano de la adaptación de Emilia Noguera y la dirección de la actriz y directora Bárbara Ruiz-Tagle. \nComo si pasara un tren cuenta la historia de Susana (Ana Reeves)\, una dedicada y sobreprotectora madre de avanzada edad\, y su hijo Juan Ignacio (Felipe Zepeda)\, un joven con retraso madurativo\, en un pueblo del sur de Chile. El vulnerable vínculo entre madre e hijo se ve alterado con la llegada de Valeria (Alejandra Oviedo)\, una prima que viene desde Santiago a cuestionar y proponer temas como la libertad\, la autonomía\, el amor\, los sueños\, el rol de la mujer cuidadora y el derecho a crecer. \n«En esta puesta en escena quise adentrarme en dos temas que están pidiendo a gritos tener cabida en nuestra sociedad: por un lado\, reflexionar sobre la discapacidad y por otro\, el rol que cumplen las personas a cargo del cuidado: madres\, padres\, abuelos\, hermanos\, cuidadores formales\, etc. En este caso\, la obra trata sobre una madre de edad avanzada lidiando con los miedos propios de su edad y la inminente pregunta ¿Quién se hará cargo o quién cuidará a mi hijo cuando yo no esté o cuándo no esté capacitada para hacerlo?» reflexiona la directora Bárbara Ruiz-Tagle. \nUna obra sensible\, cálida y por momentos dolorosa\, con un entrañable humor y ternura de estos tres personajes\, y que promete al espectador insertarse en esos momentos hermosos de la vida cotidiana que quisiéramos capturar y se nos pasan de largo. \n«El título nos sugiere un tren llamado vida. La única certeza que tenemos en el tren como en la vida\, es que éste tiene un destino final y que todo\, todo es parte de esta gran aventura que siempre merece la pena vivir»\, concluye la directora. \n“Emotiva y conmovedora\, que conjuga muy bien la comedia y el drama. Un momento para detenerse y reflexionar en torno a un tema de esta naturaleza”.\nEl Mercurio \n“Contingente\, que toca temas de salud y educación\, ejes fundamentales en una realidad que viven muchos hogares”.\nTodalacultura \n“Divertida e ingeniosa. Una historia que nos recuerda que las relaciones humanas son complejas\, y nos permite reflexionar en torno a la libertad\, la autonomía\, el amor y la búsqueda de los sueños”.\nCulturizarte
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